DESALOJAR LAS IMAGENES Duty-Free Art

Duty-Free Art ; Hito Steyerl ; Museo Nacional de Arte Reina Sofía - 11 Nov 2015-21 Marzo 2016, Madrid.
Aurélia Noudelmann (erasmus)

                    ¿Qué valores y relaciones de poder podemos dar a las imágenes en una contemporáneidad donde nuestros ojos están constantemente abordados y saturados por una multitud de representaciones? La obra de Hito Steyerl presentada en el Museo Nacional de la Reina Sofía ofrece al espectador una colección de trabajos que requieren una reflexión, un juego sobre la relación que el tiene con las imágenes que puntúan, contaminan la vida diaria.

La exposición se centra en la práctica de vídeo, que posteriormente híbrida y conduce otros medios como el sonido, la fotografía, las instalaciones. Por lo tanto, desde la primera salla, la cuestión del informe de experiencia con la obra esta solicitada: el video Strike implica un diseño abismo de la pantalla que representa a sí misma una televisión; mientras que el soporte empleado para el vídeo no está contra la pared. Entonces, se puede pasar alrededor, apreciar la obra en movimiento y volumen, disfrutar de ella como un objeto, no solamente en su existencia de vídeo.

La artista presta una atención singular a las imágenes en hibridación y su recepción : el segundo video Guards se proyecta sobre un panel vertical, ligeramente doblada, el apoyo receptor de la imagen es, por tanto, diferente. Por otro lado, el video concebida como una historia dentro de un museo incorpora otros vídeos dentro de pinturas. Dando un valor de reportaje, la situación y el informe de evaluación se ve perturbado, preguntado.

El trabajo de vídeo se concede, de esta modo, de la condición de objeto, volumen, podemos apreciarle desde diferentes puntos de vista, como en Liquidity Inc en lo que vemos en primer lugar la parte posterior del vídeo que se desarrolla en sentido inverso. En la sala de instalación de diferentes paneles de ilusión óptica, se invita al espectador a moverse para accionar un movimiento en las obras. Se reúne su participación, y se libera, de este modo, una tensión entre la quietud y movimiento trabajada por el espectador. La recepción de imágenes depende necesariamente de su volumen, el movimiento, la mirada del observador.
En su viaje en la exposición, por encima de todo se invita al espectador a posicionarse, a encontrar una relación con las obras. Liquidity Inc nos invita a sentarse en FatBoys a lo largo de colchonetas de gimnasia, hasta estar totalmente tumbado en sillas en The Tower. Sin embargo, en este informe de contacto con las obras también revela una tensión entre el lugar del asiento y el hecho de colocar sur mirada sobre un objeto de arte: En Liquidity Inc, las colchonetas de gimnasia son también enganchados en las paredes, así como los primos instalados en bandejas de madera que son los mismos en los que el espectador va a sentarse y ver más vídeos en la salla contigua.

De este modo, el artista cuestiona el valor mantenida en comparación con los volúmenes y las imágenes, que parecen ser transmitido, a proliferar en forma de ecos visuales, audibles o táctiles a lo largo de la exposición. El espectador debe permanecer mucho tiempo al frente de las obras, el objetivo es que su mirada se cansada poco a poco.

Las distintas aulas están separadas y unidas por el mismo tiempo, los sonidos de los vídeos son escuchados en diferentes salas, patrones y colores están dispersos en varias obras: en la sala donde se trata de una instalación de varios paneles de ilusión óptica y colocado letreros en el suelo, el espacio de trabajo por líneas blancas se refleja en los bancos blancos de How not to be seen, a fucking didactic educational. Todo se transmite, se prolifera.
La hibridación y la proliferación que afecta a nuestros ojos y nuestra percepción es ubicuo en los videos presentados, en un acuerdo de reconocimiento con el espectador, donde se evocan muchas imágenes conocidas, incluidas las imágenes del manga en Liquidity Inc que van de la onda de Hokusai modulada a diferentes filtros de color hasta los clips de las películas de Miyazaki. Otros videos solicitan imágenes de videojuegos que se juxtaponen con varios elementos en una forma de reportaje como en How not to be seen, generando con una forma fuerte del humor fuera de lo común, pero también con el testimonio de un mensaje de protesta singular. Por el contrasto generado por la fusión, el absurdo de los informes se renuncia. Se hibridan y contaminan las figuras, los hombres se convierten en píxeles, se desalojan todos los valores de los informes proporcionados a las imágenes. El mundo real y las imágenes son cónyuges, sus relaciónes se cuestionan, como se entiende en el video: "la gente invisible se refugia en el 3D. "
Así, la exposición Duty Free Art híbrida numerosos medios con la imagen. Por encima de todo ella cuestiona, juega, para desalojar el espacio en el que el espectador se enfrenta a las imágenes que se ve. La crítica que se mueve siguiendo proviene de este malestar. Mediante un imaginario compartido y contemporáneo, el artista logra convocar una sensación de mareo en este enredo, pregunta y examina nuestra relación con el mundo envuelto en imágenes.